Британского художника Дэвида Хокни вспоминают как автора, который на протяжении семи десятилетий неизменно расширял границы живописи, фотографии и печатной графики. Он родился в 1937 году в рабочем Брадфорде, в графстве Уэст-Йоркшир, и очень рано стал одной из ключевых фигур британского искусства. Его работы соединяли чувственность, повседневность и сильный интерес к тому, как человек видит мир.
Хокни не просто вошёл в историю как мастер яркого цвета и больших образов. В его биографии важны и темы, которые долгое время оставались на периферии публичного разговора. До частичной декриминализации гомосексуальности в Англии и Уэльсе в 1967 году он создавал картины, в которых изображал мужскую близость и квир-любовь. Для эпохи, когда такие сюжеты считались неприемлемыми и даже девиантными, это было смелым художественным жестом.
Среди ранних работ художника — We Two Boys Together Clinging (1961), где двое мужчин показаны в тесном романтическом объятии, и Domestic Scene (1963), изображающая одного мужчину в душе, пока другой моет ему спину. Позднее Хокни оставался верен интересу к теме желания и личной свободы, но именно эти ранние произведения особенно ясно демонстрируют, насколько последовательно он отстаивал право искусства говорить о любви без прикрас и без оглядки на общественные запреты. 
Одной из самых узнаваемых глав его творчества стали работы, связанные с Южной Калифорнией. В 1964 году Хокни переехал в Лос-Анджелес, вдохновившись описанием «грязной, сексуальной, жаркой ночной жизни» из романа Джона Речи City of Light. По его словам, в Британии гомосексуальность всё ещё была криминализована, тогда как Лос-Анджелес казался местом света, свободы и американского избытка. Он приехал туда, по сути, не видев город раньше, и сразу же начал переводить его атмосферу на язык живописи.
Именно тогда появились работы, которые позже стали неотделимы от визуального образа Лос-Анджелеса: Man in Shower in Beverly Hills (1964), Sunbather (1966), Peter Getting Out of Nick’s Pool (1966). Электрически-синие бассейны, загорелые тела, яркие плоскости цвета и ощущение безмятежного зноя сделали эти картины символами целой эпохи. Куратор Стефани Баррон описывала их как изображения, «встроенные в психику как символы Лос-Анджелеса». Сам Хокни в 1975 году говорил, что тогда в городе почти не было живописного языка: «Не существовало картин Лос-Анджелеса. Люди даже не знали, как он выглядит». Для него это было пространство, которое ещё только предстояло увидеть и назвать.
С Лос-Анджелесом связаны и такие знаковые работы, как A Bigger Splash (1967) — одна из самых известных картин Хокни, ставшая почти эмблемой его стиля, а также Mulholland Drive: The Road to the Studio (1980) и литографии с бассейнами. На протяжении следующих десятилетий художник создал визуальный образ города, в котором частная жизнь, архитектура, солнце и вода соединялись в цельную культурную мифологию.
Хокни часто появлялся в интервью и на фотографиях в узнаваемом образе: светлые волосы, характерные очки и сигарета. Он не скрывал этой привычки и прямо связывал её с рабочим ритмом. В 2015 году в разговоре с Channel 4 он сказал: «Я курю, потому что это часть работы». По его словам, во время самой живописи он не курил, потому что руки были заняты, но во время пауз привычка помогала думать и сосредотачиваться на изображении, а не на старении тела. Курение стало частью его публичного образа и даже появлялось в автопортретах, включая финальную работу Play within a Play within a Play and Me with a Cigarette (2025).
При этом Хокни подчёркивал, что не был человеком безудержных вечеринок. В интервью The Guardian он говорил: «Я никогда не был большим любителем вечеринок. Меня не смущало, если меня так воспринимают, но на самом деле я работаю». И добавлял: «Художник может одобрять гедонизм, но сам гедонистом быть не может». Эта фраза хорошо отражает его подход: любовь к удовольствиям, свету, цвету и жизни у него всегда сочеталась с дисциплиной и почти одержимой работоспособностью.
Хокни вырос в рабочей семье, а взгляды на труд у него формировались ещё в Йоркшире. Он вспоминал, как в 16 лет, сообщив соседу о намерении учиться в художественной школе, услышал в ответ, что художники — «ленивые бездельники». В ответ он сказал: «О, я иду работать, не волнуйтесь». Затем он учился в Bradford College и в Royal College of Art в Лондоне, продолжая экспериментировать и не застревая в рамке институционального успеха. Даже после крупных ретроспектив в Tate Britain и после рекорда аукционной цены в 2018 году он не прекращал искать новые формы.
Для Хокни искусство всегда было не только про стиль, но и про способ видеть. Он критически относился к представлению о фотографии как о полном и окончательном отражении реальности, считая, что камера не способна передать богатство человеческого восприятия. Поэтому он обращался к фотоколлажам и «joiners», собирая множество снимков в один образ, чтобы приблизиться к тому, как на самом деле движется взгляд. Его работы Pearblossom Hwy. и My Mother Sleeping, Los Angeles стали важными примерами этого метода.
В 1984 году в разговоре с The New Yorker Хокни сформулировал свою художественную философию особенно точно: «Искусство — это соответствия, это создание связей с миром и друг с другом». В том же духе он говорил и о древнем, почти первобытном человеческом стремлении изображать: его можно проследить от наскальных рисунков. Для него искусство было продолжением жизни, а не отвлечённой теорией.
Хокни умер 11 июня 2026 года в возрасте 88 лет, всего за месяц до 89-летия. Его наследие связано не только с узнаваемыми бассейнами и яркими пейзажами, но и с редкой последовательностью: он снова и снова возвращал искусство к телу, свету, желанию, повседневности и свободе смотреть на мир без стереотипов.
Источник: dazeddigital_fashion
